COROS, GUITARRAZOS Y GANCHOS MELÓDICOS: VUELVEN THE POR ELLA RUNNERS

Tras doce años de silencio discográfico vuelven los castellonenses The Por Ella Runners, ejemplos de impecable independencia ya que todas sus referencias han sido autoeditadas, y no iba a ser menos su retorno con YEEEEEE!, siete nuevas canciones que no se desmarcan de su trayectoria sonora marcada por el power pop más enérgico con incursiones en el punk, garage o surf, y para muestra las dos composiciones que abren el artefacto, Welcome Kids y Magere Hein, con guiños a Ramones, Barracudas o Nikki & The Corvettes, refrescante y pegadizo power pop que te sumerge en el espíritu de las teen movies de los 70 y 80; la perfecta banda sonora para La Venganza de los Novatos.

The Famous One baja un poco el pistón y nos acerca a otros grupos como los Records, mientras que D.A.N.G.E.R. Kooteemanhas es surf vacilón que nos hace pensar en clásicos de la escena como Depressing Claim. A.V.S.A. muestra que el grupo controla también los terrenos del garage, más malhumorados y agresivos; con I Follow Trotsky vuelven al punk rock melódico (pienso en los Shock Treatment) y terminan con Silent Running, casi seis minutos de pop de guitarras que circulan por ámbitos undertonianos o buzzcockianos.

Toda una buena noticia el regreso de The Por Ella Runners con un disco para acompañar las cálidas tardes de verano con melodías, coros y energía. No dejen de visitar su bandcamp o de contactar con ellos en theporellarunners@gmail.com para conseguir el CD.

BANDCAMP DE THE POR ELLA RUNNERS

David

EL DISCO DE LA SEMANA: PAINT A LADY, DE SUSAN CHRISTIE

Me gustan las comedias norteamericanas. Es uno de mis géneros cinematográficos favoritos, desde las indies hasta las más gamberras, y de esas los hermanos Farrelly tienen unas cuantas y siempre las condimentan con estupendísimas canciones pop desde los 60 hasta la actualidad. Pues precisamente viendo la última de Peter Farrelly, titulada Ricky Stanicky, de repente suenan unas extrañas notas de guitarra, unos acordes perezosos pero contundentes y una voz femenina suave y folkie. ¿¿Qué era eso??Tras las oportunas investigaciones descubro que se trataba de Paint A Lady, canción que daba título al único álbum de la cantante de Philadelphia Susan Christie grabado entre 1969 y 1970 y cuya edición fue paralizada por ABC-Paramount tras considerarlo nada comercial, y que permaneció como un rumor pocas veces oídos hasta su recuperación en 2006 por el sello Finders Keepers.

Producto de la alianza de Christie con el productor Jon Hill, que había dado forma a anteriores singles pop de la cantante, y con el compositor Billy Soden que escribe tres de las canciones del LP, PAINT A LADY es un fascinante recorrido en ocho canciones por el acid folk más ortodoxo; no tenemos experimentos con la forma y la melodía al estilo de Incredible String Band o Jan Dukes de Grey pero sí una envolvente conjunción de delicada melodía y voz con una pronunciada base rítmica, casi funk como he leído en alguna otra reseña.

Cuerdas y guitarras acústicas envuelven Rainy Day con momentos de intensidad instrumental en los estribillos, a la que sigue las fascinante y oscura Paint A Lady, de ritmo y atmósfera hipnótica. For The Love Of A Soldier es folk pop muy groovy, con guitarra wah wah y efectos psicodélicos en los coros del estribillo que precede a uno de los momentos más sorpresivos del disco con una versión del standard de country & western Ghost Riders In The Sky elevada con la producción a una oscura y extraña banda sonora de una película de western extraño y bizarro.

Susan Christie con su disco de 1966... a ella le gustaban las cebollas, !y a mi también!

Yesterday, Where's My Mind es una épica pieza nueve minutos de folk rock psicodélico y funk con giros de guitarra que recuerdan a Hey Joe y precede a Echo In Your Mind, folk rock más establecido dentro de la norma pero con una fastuosa producción en contraste con la más desnuda When Love Comes (que tiene una buena ración de cuerdas, también) de ritmo saltarín y espíritu más festivo, para cerrar este curiosísimo LP con No One Can Hear You Cry, que parece sacado directamente del songbook de Burt Bacharach y Hal Blaine y que rompe algo el espíritu de modernidad y de grabación propia del underground de finales de los 60 y principios de los 70, pero que no rebaja el nivel de interés ni de fascinación que produce este enterrado y afortunadamente rescatado LP.

David

LOS DOS PRIMEROS SINGLES DE THE CRYSTAL TEARDROP: ORIENTALISMOS ALUCINÓGENOS, GARAGE DE ALTO VOLTAJE Y FREAKBEAT ATÓMICO!

Hace poco más de un año apareció la primera grabación de un grupo recién formado, un quinteto proveniente de Stoke on Trent, The Crystal Teardrop, con una fantástica canción titulada Nine Times Nine que combinaba en dos minutos y cincuenta y cinco segundos algunas de las cosas que más nos gustan del Pop de los 60: armonías vocales en múltiples capas con efectos en secciones del coro, contundente y freakbeatera base rítmica con notas de bajo ascendentes y descendentes, guitarras mezcladas al revés, exquisitas y selectas gotas de folk ácido... una traslación perfecta de eso que tanto nos gusta, cuando el garage USA choca y se entremezcla con el pop británico que tantos discos contundentes, inapelables y mágicos produjo entre 1965 y 1969, y que algunos (muchos) llamamos freakbeat...

Alexandra Rose (voz y guitarra), Leon Jones (guitarra principal, y proveniente de los magníficos Alfa 9), Stuart Gray (órgano), Caitlin Hare (bajo y voz) y Connor Wells (batería) nos regalaron unos meses después una segunda pieza, By The River, que completó las dos caras de su primer lanzamiento.

By The River es excelsa psicodelia que se desarrolla sobre una melodía de inspiración oriental, persistente, drone, con pocas variaciones, con sitar flotando sobre ella y una batería que se despliega sobre la canción, que la interpreta, como era lo habitual en el rock 60s y que no se limita a marcar el ritmo. Y por supuesto la dulce voz de Alexandra Rose recitando versos psicodelizantes.

Ambas piezas se reunieron en un impecable artefacto sonoro de 7 pulgadas al inicio de 2024 editado por Rise Above/Popclaw Records en una limitadísima edición de 200 copias ya tristemente agotada (UNA SEGUNDA EDICIÓN YA!), pero prácticamente mientras escribo esto ve la luz el segundo single del grupo, esta vez editado por Disques Rogue, una rodaja de vinilo en la que el grupo estrena nuevo bajista y presenta en la cara A un asalto garajero más agresivo que las composiciones de su anterior disco y titulado Running Out Of Time con Fuzz, guitarra afiladísima y mayor presencia del Farfisa.

En la cara B encontramos Après Jeudi, desarrollos pop sobre una poderosa base rítmica en la que irrumpen arrebatos sónicos protagonizados por guitarra y órgano, enérgica pieza que completa un vinilo contundente y que nos hace esperar más ansiosamente lo próximo de The Crystal Teardrop!

Foto extraida del facebook de The Crystal Teardrop

Bandcamp de The Crystal Teardrop

Youtube de The Crystal Teardrop

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David

TAROT PART I: LOS ARCANOS MAYORES GUIAN LOS DESIGNIOS DE MAGICK BROTHER & MYSTIC SISTER!

Uno de los debuts más fascinantes de los últimos tiempos fue el de Magick Brother & Mystic Sister en 2020, confluencia alucinada y alucinante de estilos y géneros siempre bajo un velo psicodélico, y cuatro años después vuelven Eva Muntada (sintetizadores, mellotron, órgano, piano y voz), Xavi Sandoval (bajo, guitarra y voces),  Alejandro Carmona (batería) y Toni Jagwar (sitar), estos dos últimos nuevos integrantes de la banda, con un proyecto imbuido en misticismo y los misteriosos designios de la Astrología y titulado TAROT, un álbum conceptual dividido en dos partes, dos discos que recorrerán los Arcanos Mayores del Tarot, y nadie mejor que Magick Brother & Mystic Sister para envolver en sonidos cósmicos estos misterios paganos.

El disco, editado por el sello griego Sound Effect Records, ha disfrutado de tres ediciones en vinilo de distintos colores y en CD que tras su lanzamiento el 29 de marzo sistemáticamente se han agotado, aunque, apresúrense, quedan copias en la propia web del sello!

TAROT PART I inicia la exploración de la baraja con The Fool (que también, recordemos, era un colectivo artístico y psicodélico... todo conecta en las esferas psicodélicas) y sus ambientes cinemáticos y espaciales a lo Hawkwind, sintetizadores que viajan en estéreo y reverb atronando desde los altavoces, marcada base rítmica a lo Soundcarriers y guitarras psicodélicas, el tema más movido y bailable de esta primera parte del proyecto y que sirve de puerta de entrada a terrenos más experimentales y sónicamente hechizantes que se entrelazan como The Wizard, que se desliza suavemente en un atardecer boscoso en los que el mago ejecuta sus hechizos, adornada por sintetizadores y mellotron, y siguiendo con The High Priestess, folk progresivo setentero con ecos de voces evanescentes.

The Empress y su piano sobre un colchón psicodélico se enlace elegantemente con The Emperor, un viaje psicodélico con teclados que nos pueden retrotraer a Gentle Giant y al progresivo italiano en general, siendo The Hierophant una de las joyas más brillantes de un disco repleta de ellas con el sitar y aires orientalizantes sobre una base con mucho groove mientras letras misteriosas se deslizan sobre la melodía. 

The Lovers es una bellísima pieza repleta de voces melodiosas, tabla, reverb y sitares, mientras que la flauta, los desarrollos psicodélicos y groove setenteros hacen de The Chariot  una gozada 70s. The Justice nos expande mentalmente a través de más ambientes cinemáticos y aires jazzísticos muy cool, terminando el disco con dos piezas psicodélicas absolutamente asombrosas, The Hermit, que se desarrolla en páramos y ecos viajeros distantes, con cierto parentesco a sonidos pinkfloydianos, y The Wheel of Fortune, todo un repertorio de efectos y producción psicodélica que cierra esta PART I de la mejor manera posible y nos hace esperar con ansias la segunda entrega que será una realidad en las próximas semanas.

Todo un triunfo por parte de Magick Brother & Mystic Sister que nos sumerge aún más en un mundo que nos hacían avistar en su primer LP y que supone uno de los acercamientos más audaces e inventivos de la escena actual a la psicodelia, el acid folk, el progresivo y mucho, mucho más.

Bandcamp de Magick Brother & Mystic Sister

Magick Brother & Mystic Sister en youtube

Tienda de Sound Effect Records

David

EXCURSIONES A TRAVÉS DEL BOSQUE PSICODÉLICO: EURA, EL NUEVO LP DE ANANDAMMIDE

Cuatro años después del lanzamiento del LP de debut de ANANDAMMIDE, el proyecto liderado por Michele Moschini desde París retorna, acompañado por siete músicos más, para un nuevo y cautivador disco de folk psicodélico titulado EURA que amplía las fronteras establecidas en su primero EARTHLY PARADISE con, como el propio Michele dice, menos influencias medievales y renacentistas, más presencia de la batería en la base rítmica y letras quizás más pesimistas sobre las tendencias de autodestrucción de la humanidad.

La fecha oficial de lanzamiento, en versión digital y CD y LP ambas en edición ultra-limitada, será el 5 de abril, pero he tenido la oportunidad de escuchar -y disfrutar- de las diez piezas incluidas en este nuevo y cautivador disco.

Michele Moschini

Carmilla enlaza con su primer LP al mantener cierta influencia melódica barroca, y su ambientación bucólica y delicada se desliza hacia el progresivo italiano cuando irrumpe el sintetizador, instrumento cuya presencia sigue siendo de peso en el segundo single del disco, A Song of Greed, cuyas guitarras y baterías nos hacen pensar en los mejores momentos de King Crimson y sus coros, que aporten un indudable aire misterioso, hacen lo propio con Circulus, grupo de folk psicodélico británico del que aquí somos muy devotos, sin perder de vista los momentos más bucólicos de luminarias del prog rock italiano como Quella Vecchia Locanda o PFM.

Post Atomic Reverie presenta una flauta protagonista interpretada por Audrey Moreau, acompañada de guitarras acústicas y sobre un colchón de órgano y Phamton Limb nos retrotrae a Syd Barrett, cuya esencia se deja deslizar por los surcos en varias ocasiones, una fascinante canción con instrumentación a cargo de sintetizadores retro que progresivamente se desliza a terrenos de Kevin Ayers con la irrupción de la batería y el aumento del tempo, cerrando la primera cara I Am A Flower y sus suavemente levitativas y juguetonas guitarras. 

En Eura, primer single y una pieza que lleva varios años gestándose, confluyen todos los instrumentos presentes a lo largo del disco en sus cambiantes melodías, pasando a The Orange Flood donde el chelo navega suavemente sobre la batería, teclados, bajo y guitarra, y la flauta juguetea con el sintetizador en los puentes, una delicia sónica como también es Lullaby N2 donde la confluencia de guitarras, que nos recuerdan a Soft Machine, se mezcla con un órgano pinkfloydiano. Dream N1 es amable folk acústico que evoluciona hacía rock progresivo envolvente, con un puente brillante con chelo y desarrollos instrumentales aleteantes, preludio al cierre con The Anchorite, que comienza con semejanzas sonoras a Nick Drake para luego presentar una apertura y expansión sónica con batería, flauta, ondulante sintetizador y letra cantada a dos voces, masculina y femenina.

Anandammide: Path through the forest

Un placentero y embriagante viaje sónico a través de los paisajes del folk psicodélico y progresivo gracias a las diez canciones de un Michele Moschini y su grupo en estado de gracia que en lo que va de década han facturado dos piezas imprescindibles para los amantes de esos sonidos mágicos y evocadores. Un disco que no hay que dejar escapar.

BANDCAMP DE ANANDAMMIDE CON EL PREORDER DE EURA

EURA EN LA TIENDA DE SULATRON RECORDS

David

ALETEOS PSICODÉLICOS EN FAINTLY BLOWING, EL NUEVO SINGLE DE DAVE MCLEAN

Dave McLean, de The Chemistry Set, anuncia un nuevo single, lo cual siempre es una alegría proveniente de este adalid de la psicodelia ya sea al frente de su grupo como en solitario. Será un disco francamente sorprendente ya que ambas caras estarán ocupadas por versiones del clásico que arrancaba el segundo LP de los Kaleidoscope británicos, pero ambas suficientemente únicas y mágicas para seducir al más ferviente seguidor del icónico grupo y de la psicodelia 60s en general.

Faintly Blowing es la inmortal pieza compuesta por Peter Daltrey y Eddy Pumer, que los Chemistry Set ya versioneaban a finales de los 80, y la visión de ella de McLean en la versión Stereo de la cara A nos hipnotiza desde la introducción con un feedback mezclándose con la característica pulsación instrumental de las canciones de los Kaleidoscope, adentrándonos en un sonido más denso y asfixiante que en la producción original, con una línea de teclado de aires orientalizantes cual aleteo que sopla suavemente respaldando a los estribillos, un solo de guitarra aún más abrasivo y una coda que también mezcla influencias orientales con las exploraciones cósmicas de Syd Barrett finalizando en un caos de estática y vibraciones escapistas.

La cara B nos presenta otra alucinada versión de Faintly Blowing, en glorioso sonido Monoaural y con abundantes oleadas de phasing, sobre todo en la coda, haciendo de esta otra experiencia sónica que complementa y enriquece la escucha del original.

El single en formato vinilo de 8" de edición limitada será publicado el 1 de abril por Fruits de Mer Records para compradores de UK y comercializado por Shiny Beast y otros canales alternativos para los psycheads europeos.

David

PROCOL HARUM EN 1973: CÉSARES DE LONDRES*

*El texto de esta entrada proviene, corregido y aumentado, de la reseña original del disco publicada en 2010 en este mismo blog.

GRAND HOTEL supuso para los Procol Harum un paso que afianzó su carrera y su trayectoria en los años 70 en un momento que para otras bandas podría suponer un descalabro: el abandono de su genial guitarrista, Robin Trower, e incluso de su breve sustituto, Dave Ball, sobreponiéndose y logrando establecerse como un poderoso grupo en su nueva compañía discográfica (Chrysalis) y el reto de mantener el prestigio -y las ventas- tras un disco tremendamente exitoso, el directo PROCOL HARUM IN CONCERT WITH THE EDMONTON SYMPHONY ORCHESTRA (1972).

Pero los Procol Harum siempre contaron con una dirección honesta, fiel a su estilo y firme de la mano de Gary Brooker, un tipo con un talento excepcional y convencido de poder mantener a los Harum en la élite del rock durante la exigente y al mismo tiempo extravagante década de los 70. Y a fe mía que lo consiguió; para ello, además, contaba con poderosas armas a su disposición: BJ Wilson a la batería, Alan Cartwright al bajo, Chris Copping al órgano, el eterno letrista surreal y extravagante, y alma de la banda, Keith Reid y un nuevo y muy potente guitarrista, Mick Grabham, antiguo miembro de la banda de pop psicodélico Plastic Penny y cuyo estilo se acercaba enormemente al de Trower pero aún más agresivo.

GRAND HOTEL, envuelto en una portada impagable, recupera el estilo más característico de Procol Harum, canciones épicas y dramáticas en su concepto sonoro al recurrir a estructuras y arreglos propios de la música clásica, y alejándose un tanto de su anterior trabajo en estudio, BROKEN BARRICADES (1971) en el que rompían en parte con esa forma de trabajar y que tanto sorprendió a sus seguidores. Así es en el tema que da título al disco, Grand Hotel, canción algo meliflua pero de interesante letra sobre la decadente pero suntuosa vida en un hotel de lujo. Grand Hotel, que ingresó en el repertorio de las favoritas para los fans, se ve mejorada por todos los demás cortes del álbum: la trepidante Toujours l'Amour que por su energía perfectamente podría haber sido incluida en su tercer LP HOME (1970), A Rum Tale, otra melodía inolvidable comparada a Homburg, la irónica TV Caesar y su lujosa orquestación con cascadas descendentes de sonido de órgano, la extravagante y casi totalmente acústica A Souvenir of London, el retorno al drama y la profundidad sonora, como en composiciones anteriores de la talla de Whaling Stories y A Salty Dog, de For Liquorice John, una triste oda a un amigo del grupo que poco antes se había suicidado.

El álbum se cierra con el clacisismo de Fires (Which Burnt Brightly) y la cierta experimentación (claramente es una canción fuera de los cánones habituales del grupo) de Robert's Box, algo similar a Boredom, de su HOME.

Además de todo eso, y sin duda, el disco contiene uno de los grandes temas de los Harum, un favorito de los seguidores del grupo y de la propia banda desde entonces, el agresivo Bringing Home The Bacon, una auténtica gozada que utilizaría la banda para abrir sus conciertos tras la publicación de este GRAND HOTEL.

La cuidada edición en cd de Salvo Records incluye como bonus y para alegría de todos los fans, sendas tomas primigenias, rudas y sin los arreglos posteriores (y con Dave Ball a la guitarra) de Grand Hotel y Bringing Home The Bacon. Un disco entusiasmante e imprescindible para completistas de los Harum y para los interesados en el rock británico de los 70 más allá de la primera, y bastante sobada, línea de figuras del mismo.

David

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PROCOL HARUM EN 1972: VISLUMBRES DEL NIRVANA*

*El texto de esta entrada proviene, corregido y aumentado, de la reseña original del disco publicada en 2013 en este mismo blog.

Curioso género ese de los discos de grupo de rock en concierto con orquesta, tan pretencioso como prescindible salvo muy contados casos, y por supuesto el de Procol Harum con su disco de 1972 grabado en Canadá es de esos casos ya que, qué mejor grupo para un experimento sinfónico que los Harum y sus estructuras de canciones totalmente propicias para arreglos clásicos!

En ese sentido los Procol Harum eran los mejores en lo que hacían, pero cuando también querían demostrar que sabían rockear podían darle sopas con ondas a cualquier melenudo seguidor del demonio armado con una guitarra y una supuesta mala uva. Así que, llegados a 1971, ya era hora de sacar el correspondiente disco en directo del grupo, cosa muy en boga en aquellos años. Y los Harum, que ya de por sí eran unos leones en el escenario como quinteto, decidieron que la épica y la gravedad de su música merecía ser respaldada por un acompañamiento clásico, toda una orquesta con coros incluidos.

Curiosamente el grupo se fue a grabar este experimento a Edmonton, Canadá, y Gary Brooker y los suyos, armados con sus instrumentos, su repertorio y arreglos orquestales escritos por el propio Brooker crearon una obra encomiable, con nuevos fichajes que convertían al grupo de nuevo en un sexteto: el eficiente Dave Ball a la guitarra, un tipo de más que remarcable parecido físico en esos momentos con Roger Waters y que provenía del grupo Big Bertha para sustituir a Robin Trower, y Alan Cartwright al bajo, que liberaba a Chris Copping para que se ocupara solamente del órgano. Junto a Brooker y a ellos, por supuesto los imprescindibles B.J. Wilson a la batería y Keith Reid a las letras e iluminación (espiritual e intelectual). De las nuevas incorporaciones Cartwright fue el que prosperó en los Harum ya que ésta es la única grabación de Dave Ball con el grupo.

Ball, Brooker, Reid, Copping, Cartwright y Wilson

De su increíble colección de canciones (ya llevaban cinco LPs en ese momento) escogieron, sorprendentemente, unas pocas y en algunos casos no de las más reconocibles, pero seguramente Brooker consideró que serían las que mejor empastarían con los arreglos orquestales. Y en la mayoría de los casos es así, como en los casos de su binomio de canciones marineras, A Salty Dog y Whaling Stories así como en su suite progresiva In Held 'Twas I, en la definitiva versión de la misma y mucho mejor que la del LP de estudio donde apareció, SHINE ON BRIGHTLY (1968), quizá gracias al sonido orgánico, lleno de profundidad del disco. La grabación transmite que estamos presentes en el teatro donde se grabó asistiendo a algo muy magno, la orquesta y coros suenan en un segundo aunque poderoso plano, mientras que la batería del ENORME B.J. Wilson se une a esa profundidad con un sonido bastante cavernoso, algo que no sucede con los instrumentos eléctricos. En todo caso, Wilson se luce en Conquistador al igual que Dave Ball a la guitarra que emerge furiosamente aquí y allá emulando a la perfección a su predecesor. Completa el disco original All This And More de su A SALTY DOG (1969).

Los Harum en el teatro

Este LIVE se convirtió en el LP más vendido del grupo en Norteamérica, muy por encima de sus discos anteriores, y eso que tuvieron las narices de obviar del repertorio sus clásicos hits, como A Whiter Shade Of Pale e incluso Homburg, a la que unos arreglos orquestales le hubiesen encajado a la perfección. Tal es el nivel de la grabación y de Procol Harum en este disco que incluso su viejo Conquistador se convirtió en un single muy popular y con muchas ediciones internacionales, acompañada en algunos de ellos por Luskus Delph en la cara B, originalmente del BROKEN BARRICADES (1971), que disfruta de unos arreglos bellísimos protagonizados por trompa y el órgano de Chris Copping, y que seguramente estaba destinada a aparecer en el álbum original, recuperada como bonus en ediciones del LIVE en CD junto a la furibunda Simple Sister, registrada en los ensayos y arreglada muy ligeramente a base de la sección de vientos de la orquesta, y la inmortal y bellísima Shine On Brightly, aunque no está a la altura dramática de su versión en estudio.

Haber estado allí y haber presenciado el concierto debía de haber sido toda una experiencia. Desde los primeros momentos, en los que el grupo toma asiento antes de atacar el primer tema, con chiste incluido, hasta los momentos mágicos de A Salty Dog donde se puede apreciar los efectos especiales que el grupo incorporó a este directo, un sistema de sonido cuadrafónico que distribuía por toda la sala sonidos de gaviotas que parecían volar sobre las cabezas de los 3000 asistente. Todo muy mágico, muy intenso, muy profundo a la par que entretenido. Todo muy propio de Procol Harum. 

David

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